故事Stories

一間老修車鋪、一把舊吉他，
還有一個總被人說不切實際的男人。

《米高先生》本來以50 年代 Rock & Roll 為基調，
講述一個小鎮青年不願按照別人安排的劇本生活的故事。

表面上，
這是一首關於追逐音樂夢想的歌。
但那些修車鋪裡的引擎聲、親戚的勸告、鄰居的嘲笑，
以及始終不肯停下的吉他聲，其實都藏著另一層意思。

我們生活在一個習慣替別人定義成功的世界。
你的出身、選擇、方法，甚至你使用什麼工具，
都可能成為別人評價你的理由。

但米高先生似乎不太在乎。

他不急著證明自己是天才，也沒有打算說服所有人。
他只是想按照自己的方式，把心裡那段旋律彈完。

有時候，真正的搖滾精神，不是反抗全世界，
而是不讓全世界替你決定，你應該成為誰。

——

寫《米高先生》的時候，我們講的故事很簡單。

一個小鎮青年，白天在修車鋪工作，
沒事就抱著吉他亂彈。
大家覺得他有點瘋，
他卻覺得自己挺開心。

但其實，
我們想寫的從來不只是一個吉他手。

修車鋪是一種生活，
工廠是一種選擇，
吉他則可能代表任何一件你真正想做，
卻不一定被身邊的人理解的事情。

「我不是天才，但我有態度。」
因為現實裡，大部分人都不是天才。

我們沒有主角光環，
也未必有什麼過人的天賦。
有時候只是喜歡一件事，
想用自己的方法試試看，
卻要面對很多關於「應不應該」、「算不算」、
「有沒有資格」的聲音。

有趣的是，很多時候，
這些問題沒有標準答案。

我們也不覺得故事裡的鄰居和親戚是壞人。
他們可能只是用自己理解世界的方式，
真心認為那條路比較安全。

但別人走過的路，
不一定就是我們唯一能走的路。

還有一句口白是我們最後決定加進去的：
「嘿，我不是誰的影子，這首歌我自己寫，弦是我拉的，人生我彈的。」

它不只是關於音樂，
也關於創作、選擇、身份，
以及一個人如何在各種標籤和期待之間，
保留自己的聲音。

至於米高先生最後有沒有上電視？

說真的，我們並不認為那是故事最重要的結局。

也許他紅了，也許沒有。
也許多年以後，
他還是在同一間修車鋪，
拿著那把舊吉他，彈著同樣的旋律。

但至少，那是他自己選的生活。

有些堅持不需要苦大仇深，
有些反抗也不一定要憤怒。

世界可以不理解你，
但你還是可以很開心地，
把自己的歌彈下去。

這大概就是我們心裡的米高先生。

願每個人的心裡都有一個自己的米高先生。

——

為什麼叫《米高先生》，
而不是《麥可先生》？

其實是因為以前在香港生活的時候，
認識過一位叫 Michael 的朋友。

那時候大家習慣叫他「米高」，
久而久之，這個稱呼就留在了記憶裡。

後來寫這首歌，需要替故事裡的主角取個名字，
腦海裡很自然就浮現了「米高」，而不是「麥可」或「彼得」。

有點西化，又很普通，
還帶著一點老派的味道，
剛好很適合原曲的復古 Rock & Roll。

不過，歌曲裡的米高先生並不是在寫那位朋友，
只是借用了一個名字，去講另一個故事。

有時候創作就是這樣，
一個不經意留下的名字，
很多年後，突然有了自己的故事。🎸

寫《溫度》的起點，
是突然想到一個很普通的問題：

如果天氣預報說今天很暖，
但我還是覺得冷，那到底是誰錯了？

後來發現，沒有人錯。
我們只是太習慣尋找一個標準答案。

有一個後來刪掉的版本：
「他們都說這樣已經很好，為什麼我還是感覺不到。」

最後沒有留下，是因為覺得它解釋得太清楚了。
《溫度》不想告訴大家應該怎麼活，
而是想把判斷權重新交回每個人手裡。

⸻

為什麼是二十八度？

寫歌詞的時候，
其實想過十八度、二十四度，
最後還是留下了「二十八度」。

因為十八度太容易被認為是冷，
二十四度也太像大家認知里的「剛剛好」。

但二十八度不一樣。

有人會覺得熱，有人覺得舒服；
有風的時候甚至會覺得涼。
如果剛下過雨、坐在冷氣房裡，
或者只是那天心情不太好，
同樣的二十八度，感受也完全不同。

它剛好沒有一個很確定的答案。

這也是《溫度》真正想寫的東西。
數字是客觀的，感受不是。

天氣可以準確地告訴我們今天二十八度，
卻沒有辦法告訴一個人應該覺得冷，
還是應該覺得暖。

就像生活一樣。
別人眼裡的穩定，可能是你的疲憊；
別人羨慕的關係，可能只有你知道裡面的溫度；
別人覺得孤單的生活，也可能正是你最舒服的狀態。

所以最後那三句：
「天氣說今天二十八度
風吹過來
我覺得剛好」

真正重要的從來不是「二十八」。
而是最後那句：
「我覺得。」

因為到了最後，
我們想把定義自己感受的權利，
還給自己。

也只有自己感受，才是最真實的事情。

〈還沒寄的信〉是在我們寫〈東京日落〉的那段時間，
一起留在日本的另一首歌。

兩首歌里有很多很巧的重疊。

都有便利店，都有東京的街道；
都有夜晚，都有一個已經不在身邊的人，
也都有一句遲遲沒有真正說出口的話。

只是〈東京日落〉發生在天還亮著的時候。
而〈還沒寄的信〉更像是天黑以後。

回到便利店，買下一張明信片，
拿起筆，卻發現自己連收件人的名字都沒有寫下去。

如果〈東京日落〉是一句沒有收到回復的問候，
那麼〈還沒寄的信〉，就是那句問候後面，
其實還有很多沒有說完的話。

——

我們嘗試寫過等待，
也嘗試寫過如果有一天再次遇見，
甚至寫過希望對方能夠看見這些話。

但最後都刪掉了。

因為後來覺得，
如果一個人真的已經走遠了，
也許最成熟的想念，不一定非要抵達。

“この気持ち伝えなくても
君が笑えばそれでいい”
這份心意即使不說出口，只要你笑就足夠了。

如果說〈東京日落〉留下的是東京最後一束橘色的光，
那麼〈還沒寄的信〉留下的，
大概就是那束光消失以後，
我們還是沒有寄出去的那句話。

——

這首歌的副歌，我們最後選擇了日語。

不是因為故事發生在日本，
也不只是因為想做一首中日文混合的歌。

更簡單的原因是:
有些旋律，好像天生就有適合它的語言。

同一段旋律換成中文，我們其實試過。
意思沒有變，甚至可以寫得更直接，
但唱出來以後，總覺得少了一點距離感。

而日語放進去的時候，
剛好和這首歌很像。

有時候語言不只是負責把意思講清楚，
它也是旋律的一部分。

——

有句歌詞其實糾結了很久。

「城市的風吹亂了街口」
原本是寫:
「城市的風吹亂了藉口」。

一個是街口，一個是藉口。
前者是畫面，後者是情緒。

“街口”比較像那天真的發生過的事：
風很大，人很多，城市還是照常往前走。
而“藉口”更像心裡面的事。

最後還是留下了「街口」。

因為有時候，越不直接寫心事，
反而越像心事。

但如果你聽到這裡，
腦子里剛好閃過的是「藉口」:
那也沒錯。

——

這次重新把〈還沒寄的信〉改編成這個版本，
我們才發現，
它反而比第一版更接近當初寫這首歌時真正想表達的東西。

第一版現在回頭聽，會覺得它一直在往前走。

節奏在走，旋律在走，情緒也跟著往前走，
好像還沒有來得及停下來想一想，
那封信就已經寫完了。

我們沒有改變這個故事，
卻好像到了這個版本，
才終於聽見當初為什麼會寫它。

《吃檳榔別喝ビール》是一首從頭到尾都沒打算太正經的歌。

歌詞從一句很像長輩會說的「男人嘴巴要有味道才瀟灑」開始，把一堆怎麼看都不像會被認真寫進歌裡的東西，硬是放進了這一首歌裡，一本正经胡说八道的感觉。

表面聽起來像在開玩笑，
實際上講的卻是一個很簡單的提醒：

年輕的時候，總覺得身體什麼都扛得住。
熬夜沒關係，亂吃沒關係，喝一點也沒關係。

好像只要還年輕，
所有的「沒關係」最後都真的會沒關係。

但有些東西，
其實真的沒必要拿健康去試。

這次我們甚至特地保留了一些「不太正經」的讀音。

有些地方第一次聽，可能會想：
「欸？這個字是不是唱歪了？」

對。
有些真的就是歪的。

沒有刻意把每一個字修到標準，
反而留下那種街坊聊天、長輩碎念，
甚至像喝了兩杯以後開始一本正經亂講話的感覺。

因為我們後來覺得：
有些歌不是要唱得多正確，
而是要唱得有那個味。

如果什麼都太標準，
《吃檳榔別喝ビール》就不好玩了。

所以這一次，
歪的，我們留下來了。

第一次看到某抖音歌手
因為隨​​機聽見我們的歌而「警鈴大響」。

我們其實覺得「警鈴大響」這個詞很好。
想把它寫成一首歌。

但寫到後來，我們發現真正有趣的，
好像已經不是404，
也不是某一首歌，更不是AI。
而是：
為什麼每當新的創作方式出現，
我們總是這麼快就聽見警鈴？

還沒聽完，先看作者欄。
還沒理解製作過程及內容，先看數量。
還沒討論作品本身，先從封面判斷它該屬於哪一種人。

當然，版權應該被尊重，創作者也應該被尊重。
這些我們從來沒有異議。
而且，這個標準不該因為創作者有沒有名氣而改變。

只是當一句「不想討論它好不好聽」出現的時候，
我們突然很好奇：
如果連好聽都已經不重要了，
那我們現在討論的，真的還是音樂嗎？

於是有了《警鈴大響》。
它不是一首替自己辯護的歌。
沒有奉承的話，也沒有貶義詞。
更不是要說所有新科技都是對的。

它只是想問：
警鈴響起的時候，我們看見的究竟是危險，
還是一個自己還不熟悉的未來？

原本的歌詞寫得更像逐字回應。
後來全部刪了。

因為寫著寫著，我們發現，
如果這首歌最後只是為了一場網路上的爭論，
那它其實還挺無聊的。

我們更想留下這一句：
「不是因為看見危險，只是害怕陌生來到。」

從留聲機、電吉他、合成器、等等等到今天的AI，
每一次科技改變創作方式，人都會重新討論一次：
「這樣還算音樂嗎？」

我們完全理解一般音樂人的不安。
甚至覺得這種不安非常真實。

當一個人花了十年、二十年建立的技能，
突然遇到一種完全不同的生產方式，
會焦慮、會憤怒、會害怕自己熟悉的價值被重新衡量...
這其實就很人性。

但也因為如此，我們才想把問題留下來：
我們是在保護創作，
還是在保護自己熟悉的創作方式？

我們沒有興趣證明機器贏了誰，人類又輸了誰。
真正厲害的創作者，從來不是拒絕時代改變，
而是在改變裡繼續進化。
至於我們，只是選擇往前走，
用這個時代的工具，做我們喜歡的事物。

至於十年以後，今天讓人「警鈴大響」的東西，
會不會也變成下一代人口中的：
「還是以前比較好。」

這個答案，也留給2036。
或許也不需要等那麼久。

畢竟歷史最會做的一件事，
就是把曾經令人害怕的新東西，
慢慢變成懷舊。

P.S.
「這文案一定也是 AI 寫的。」
嗯。你聽，警鈴又響了。 🚨

這是關於失去之後，
那些不斷在心裡重復播放的聲音。

我們都經歷過這樣的時刻：
明知道對方已經不會回應，
卻還是會在某個深夜，
下意識想起他說過的話；
經過熟悉的街道，
還是會以為他會出現。

真正折磨人的，
從來不是對方有沒有回來，
而是自己的記憶一直替對方說話。

也許每個人心裡，
都有一個人留下的空房間，
剩下回音縈繞。

大部份時候，深夜比白天更誠實。

寫這首歌的時候，
我其實是在記錄一場“我和自己的對話”。

我發現真正讓我感到害怕的，
不是外面的世界，而是房間變安靜之後，
那些突然湧上來的念頭。

每個人都有一些“只在深夜聽得見”的聲音，
可能是遺憾、疲憊、想念、
或是連自己都以為忘記了的那一部分。

它們不會吵，卻很真實；
不會大喊，卻很誠實。

《輪回》寫的不是前世今生，
而是我們每天都在經歷的那種重復。
這種重復不太像安穩，更像是一種妥協。

鬧鐘響起、趕車、上班、回家，
總覺得明天可能會不一樣。
結果明天來了，還是一樣。

真正被重復的，不只是行程，
還有我們說過無數次的那句：
“算了吧。”

我們發現身邊很多人看起來都過得很正常。
工作穩定，生活照常，甚至還會笑著說：
“這樣也沒什麼不好”。

但只有自己知道，
有些夢想不是消失了，
只是被放到一個越來越不敢打開的地方。

“當我們不再選擇，時間就替我們回答。”

它聽起來很平靜，
卻可能是很多成年人最真實的狀態。
我們並沒有認真決定要成為今天的自己，
只是在一次次妥協里，
在生活里一直旋轉。

初期的版本里的鬧鐘只有開頭出現，
像是普通一天的開始。
正式版則讓鬧鐘在結尾再次響起，
形成一個閉環。
日子還是會繼續，
世界也不會因為你想通了什麼就暫停。

也許輪回真正的出口，不在遠方。
只是某一天，鬧鐘還是照樣響了，
但你第一次沒有再對自己說：
“算了吧。”

寫於2026。

沒有穿越時空，沒有科幻設定，
也沒有英雄故事。
只是一個人，
在一個普通的一天，對十年後的自己說話。

那個還在努力存錢的人。
那個開始擔心父母變老的人。
那個嘴上說沒關係，
心裡卻一直害怕來不及的人。

我們一邊相信未來會更好，
一邊開始發現，
時間一直在帶走一些東西。

朋友越來越難約。
爸媽越來越安靜。
身體開始提醒你不能再熬夜。
夢想和生活，也第一次站在彼此的對立面。

所以，
《2036》只是想替今天的我們留下一份證據。

證明我們曾經認真生活過。
認真害怕過。
認真懷疑過。
也認真相信過。

等到2036年的某一天，
再回頭聽見這首歌，
希望還能記得2026年的自己。

小時候總覺得“我”是一件很確定的事情。

我的名字、
我的樣子、
我的記憶、
我的經歷。

這些東西加起來，
就是我。

長大以後才發現不是這樣。

我們會為了不同的人變成不同的模樣；
會因為一句話懷疑自己；
會因為一次失去而徹底改變。

有時候連鏡子里的那個人，
都變得有些陌生。

一個很簡單的問題：

如果把你的記憶抽走一部分，
把你的情緒換掉一部分，
再把你的經歷改寫一部分，

剩下來的那個你，
還是你嗎？

這不是“失去”，而是停留。

停留在一個：
不能說是朋友，
卻也沒有資格稱作戀人的位置。

你們會一起吃飯、聊天、分享生活，
會在深夜想起彼此，
也會下意識在意對方有沒有回復。

但奇怪的是，
誰都沒有真正開口。

因為大家都知道，
一旦把話說破了，
有些東西可能就會變得不一樣。

於是兩個人都默契地維持著一種
“剛剛好”的距離。

不確認，
也不否認。

We’re cool like that
其實是一種很成熟、
也很遺憾的狀態。

成熟的是：
你開始明白，
不是所有關係都一定需要答案。

遺憾的是：
有些人，可能一輩子都會停在“差一點”。

有些感情本來就不是爆發出來的，
它更像是：

杯子里的冰慢慢融掉，
留下一個還沒乾掉的水圈。

人不在了，
痕跡卻還在。

世界每天都在變化，
人來人往，
但總會有一個人，
像光一樣慢慢滲進你的生活。

這首歌送給那些願意為彼此停留的人：
也許不完美，但足夠真誠。
他們就是你人生中的天使。

⸻

寫《天使》的時候，
我們只想把“被一個人真正接住”的感覺留下來。
那種不需要多說話，
卻知道對方一直在的安心感，很珍貴。

製作過程中，
其實經歷了幾次不同方向的版本嘗試。
從編曲到情緒定位，我們一直在調整，
希望讓整首歌，
更靠近一種「油然而生的幸福感」，
而不是過度渲染的情緒起伏：
那種不需要證明，但很確定的存在感。

其中一個很關鍵的設定，
是在 Verse 一進來的那一刻。
我們希望旋律、音色、甚至空氣感，
都能讓聽眾自然地帶入自己的畫面：
那個屬於他自己的「天使」，
會在腦海裡慢慢浮現，
而不是被歌曲定義。

在人聲處理上，
也刻意收掉了原本較多的轉音與技巧，
改為更直線、更克制的演唱方式。
希望讓旋律本身去說話，
而不是用技巧去堆疊情緒，
讓聽的人能更直接地，
進入那種「被陪伴」的狀態。

視覺方面，
我們其實只提供了 Aaron 三句歌詞，
以及一個當時覺得還可以的旋律，
盡可能讓他自由去發展他眼中的「天使」。

這個過程很有意思，
因為每個人對同一個主題的理解都不一樣，
這些差異在創作裡碰撞之後，
往往讓作品長出新的樣子。

每一次反覆修正與比較之後，
我們其實都意識到：
留下的其實不存在所謂「最完美」的版本。
每一次調整，
都只是更接近某一種當下的理解與感受。

那個剛好停在這裡的情緒，
那一點點還沒說完的留白，
那些總覺得有留下的遺憾，
也許才是歌曲最真實的樣子。

看到網上那個擇偶帖子的時候，我第一反應是：
這些條件，好像還可以。

甚至可以說，很合理。

只是當每一個條件列出來然後還聲明會繼續補充的時候，
我才發現一件事：
我們已經越來越習慣，
用條件去決定一個人值不值得被留下。

差一點，不夠高。
差一點，不夠有趣。
差一點，不夠合適。

於是我們很自然地，
把一個完整的人，
歸類成一個不通過的結果。

有時候甚至更簡單：
一句話，就可以把對方變成
“不行的人”，甚至“髒東西”。

當你習慣篩選，
你就很難再相信“感覺”。

當你習慣標準，
你就會開始害怕任何偏差。

於是愛情變成一場流程，
人變成一份履歷，
而結果只剩下通過或淘汰。

到最後，
你不是找不到對的人，
只是沒有人，
符合你設定的那一套系統。

包括你自己。

我們習慣用三秒鐘決定一切。
一首歌剛響起，世界就已經催你滑走。

《三分鐘》寫的不是耐心，
而是重新把注意力交還給感受。

這不是一首需要立刻被懂的歌。
它更像一張椅子，
在快到喘不過氣的日子里，
邀請你坐下來三分鐘。

《三分鐘》不是為了留下你，
而是想問一句：
你，願不願意留下來陪自己一下？

這是一場跨越年代的對話：
同樣的等待，同樣的思念；
只是城市變了，聲音也變了。

這首歌的開始很簡單：
有一天深夜，我在聽（很老很老的歌）白光。
城市很安靜。
那一刻突然覺得——
這首歌如果被放進今天的聲音裡，會是什麼樣子？

某種程度上，也想講一件很簡單的事情：
有些情緒，其實幾十年都沒有變。

城市變了
音樂製作工具變了
錄音方式也變了

但「等一個人回來」這件事，
好像一直都一樣。💙

——

關於原曲：
這首歌誕生於 上海“時代曲”黃金年代。當時的流行音樂常常融合中國小調 + 西方爵士 + 夜總會風格編曲。
而《等著你回來》正是其中非常經典的一首。

白光是1940年代上海非常著名的影歌兩棲明星。
她的聲音特點是：低沈，慵懶，帶一點爵士味的性感嗓音。

後來這首歌因為氣氛有點陰森和神秘，
甚至常被用在 恐怖電影或懸疑場景里，
讓它又多了一層傳奇色彩。

——

本作品改編自經典時代曲 《等著你回來》
原曲作詞｜嚴折西
原曲作曲｜陳瑞楨
原唱｜白光

謹以此版本，向那個時代的聲音致敬。

在愛里，我們常扮演不同的角色。
有些人先知先覺，看得清、放得下；
有些人不知不覺，走著走著就錯過了彼此；
還有些人後知後覺，直到對方已遠去，才明白原來那就是愛。

原來很多時候，我們不是同意，
只是習慣了不再反對。

這個世界很擅長告訴你——
這很正常。

久而久之，
我們把忍耐叫成熟，
把沒有選擇，說成自由，
把別人的付出，
當成系統預設。

這首歌沒有答案，
但它留下一個選項：
繼續相信，
或是停止假設。

因為不是所有事情，
一開始就該被當成：
理所當然。

現在這麼多賀歲歌，
為什麼我們還要做一首？

其實我們不是要趕一波流量，
也不是想在熱鬧里多佔一個位置。

小時候聽過的旋律，
也許不完美，卻陪我們走過很多年。
那些詞句，唱的是團圓、平安、太平年，
到今天聽，反而更懂它的重量。

這些旋律早就存在於很多人的記憶里。
它們陪過我們過年、吃飯、長大，
在還不懂世界的時候，
就已經教會我們什麼叫祝福。

這一首歌，
只是想把那些被時間蓋住的溫度，
輕輕再擦亮一次；
而現在算是適合的時間。

如果你剛好願意聽，
那就當作一份溫暖一點的年味，
不搶鏡，只陪伴。

——
原曲｜贺新年 - 张帆 (1948)

“哦，好像就是這樣咯。”

我們當然也羨慕那些天生就被世界善待的人，
但更多時候，我們只是普通人，
普通長相、普通條件、普通地努力著。

這首歌不是要否定外貌的重要性，
而是想記錄一種很日常、很真實的心情：
當你發現捷徑不屬於你，只能選擇把日子走直。

如果這首歌讓你笑了一下，
或者在某一句里默默點頭，
那它的任務就完成了。

不是不想，是條件不允許。
沒關係，我們還是可以好好活著。

然後，這首歌，也算是靠臉了。 🫥

“放空是我的超能力，思緒躺平也有風景”

這首歌的創作靈感源於日常生活中那些“發呆”的瞬間。
無論是開會時腦海跑題，還是坐在窗邊望著雲朵胡思亂想，這些看似無所事事的放空，其實是心靈的一種獨特調適。

寫這首歌的過程中，我們試著捕捉那種被空氣帶走的感覺，讓旋律與歌詞一起漂浮在一種微醺的自由中。
這次我們做了不少調整，我們想要讓它變得更好玩、更groovy。

希望大家能通過這首歌找到與自己的小片刻和解，在放空中重新感受思緒的美好。

這一年，好像走得特別快。
快到來不及回頭看，只能一邊往前，
一邊把眼淚和笑聲一起塞進口袋里。

我們都在趕路。
趕時間、趕期待、
也趕著把自己修補成還能繼續走下去的樣子。
有些夜晚很重，有些白天很吵，
但你還是撐過來了——
哪怕是跌跌撞撞的方式。

這首歌，不是給完美的人。
是寫給那些還沒想清楚未來，
卻沒有停下腳步的你。
寫給今年努力活著、努力和自己和好的那個人。

如果這一年你也曾想放棄、
又告訴自己“算了，明天再說”，
那這一刻，請把時間留給今年的你。

寫這首歌時，我們想做一件簡單的事：
把“聖誕的快樂”寫給所有沒有冬天的人。

我們知道很多聽眾住在熱帶、沒有雪、沒有冷風，
但節日的氣氛不是天氣決定的。
它來自一杯熱可可、
來自街上的燈光、
來自你突然想起一個人的那一秒。

《Da-La-Da》的旋律故意寫得很輕，
像你隨手拆開的禮物，
打開就會笑的那種。

歌詞里的“想你”、“祝福”、“再見”、“願望”，
其實都是我們在年末最想對身邊的人說的話。

寫完這首歌，我們只有一個願望：
希望它能在你耳機里亮起一點小小的節慶煙火，
讓你覺得，今年的聖誕——
即使沒有雪，也很美。

獻給那些沒有季節，卻有思念的人

“冬日的陽光太短，來不及融化的遺憾。”

就算你住在沒有冬天的地方，
遺憾還是會來，
思念還是會有。

《冬日》寫下的，
不是四季，
而是那些你沒時間說完、
也沒機會補救的心事。

十二月，
願這首歌能輕輕碰一下你心裡那個最柔軟的地方。

《內耗》是一首很難被歸類的歌。
它不算真的悲傷，卻也不算輕快。
介於憂鬱與鬆弛之間，
像陰天里剛好沒有下雨、
空氣濕濕的，卻讓人有點想深呼吸。

《內耗》也不是大哭的歌，它更像深夜一杯溫的、微苦的飲料。
外表看起來很平靜，心底卻輕輕翻湧。

說的是拉扯、猶豫、假裝自己很好；
但旋律又像在提醒你：
也許，再深的糾結，也會慢慢找到出口。

它是一首關於“還在努力理解自己”的歌。
憂鬱，但不絕望；
疲憊，但有一點點想繼續往前的力量。

老實講，這首歌原本差點叫《我們將節操灑滿街》。
那晚一邊邊彈琴邊亂哼，節奏剛起，嘴就比腦袋快，
結果唱完那句大家都笑到不行。
後來回頭聽，發現——
其實那份“灑滿街”的，不是節操；應該是夜色，是思念。（還是正經點比較好）
於是，這首歌就長成了現在的樣子。

這次改版更突出鋼琴為主軸，Rap 整段重新演繹。
感覺原版太規矩，像是在小心翼翼唱一段故事；
這個版本更貼近當時開始的心境，
它應該更“活”一點，更有凌晨微醺的即興呢喃，
有點groove、有點醉、有點狂、有點漫不經心。
那種介於理智和情緒之間的鬆弛感。

想像那種情境——
一疊白紙從高空灑下，
慢慢飄落、每一張都載著一小段記憶的感覺。
有點混亂，卻很美。

原曲《夜色將詩句灑滿街》What if…

這首歌詞是在一個很普通的夜晚寫下的。
那天我下班回家，坐在地鐵上看著車窗映出的自己，忽然有一種很深的孤獨感：
不是悲傷，
而是那種“沒有人知道我也很努力”的心情。

我開始想：
那些每天準時起床、
按部就班生活的人，
其實也在默默地贏著自己的戰役。

這首歌，想為他們，
也為那時候的我，
說一句：“你真的已經很棒了。”

如果你也曾在深夜質疑過自己的價值，
請聽聽這首歌。
它是送給所有沒有掌聲的日子，
但依舊勇敢生活的你。

原曲《沒有掌聲的每一天》What if…

《聽見雨夜花》Reborn自台灣經典歌謠《雨夜花》。
原曲唱的是風雨中花朵的飄零，帶著深切的無奈與孤寂。
而在這次的改編里，我們讓它化為一支更輕盈的圓舞曲：
像花瓣隨風旋轉飄落，也像遊子在異鄉街頭，
聽見熟悉旋律時心緒的輕輕蕩漾。

它不再只是哀愁的嘆息，而是一段在舞步中搖曳的鄉愁，
带着温柔与优雅。

原曲作詞：周添旺
原曲作曲：鄧雨賢

馬來西亞檳城從來不下雪也不可能下雪。
但在我心裡，偶爾可以冷得像北方的十二月。
海風吹著熱烈的島嶼，雨點敲打舊街的瓦片，每一個音符都提醒著我——
距離能讓一個南洋的夜晚變得像北國的冬天。

寫下《檳城不下雪》歌词時，我想著那些在異鄉漂泊的人。
或許你在北方看雪，而我在赤道看雨，但同樣的孤獨，同樣的想念，都藏在歌里。
熱帶的烈日下，也會有被思念凍傷的心。

而《Rasa Sayang》，那首很多人從小唱到大的歌，卻像一盞小小的燈。
它提醒我，愛與分享不會因歲月而褪色。
時間帶走了童年的單純，卻留下歌聲的溫柔。
它把我帶回到最初，有笑聲、有擁抱的地方。

《檳城不下雪》歌词与《Rasa Sayang》不是對立的，而是呼應。
《檳城不下雪》歌词是心底最冰冷的嘆息，
《Rasa Sayang》是歲月最柔軟最溫柔的撫慰。

寫歌的人，常常孤獨。
但在最孤獨的夜裡，想到聽見的人會流淚、會點頭、會在心裡輕輕說：“我懂。”
那一刻，所有的寂寞，都變成了被分享的愛。

如果你也曾在檳城的雨裡感受過”冬天“，
或在北方的雪裡想念過南洋的熱，
請讓這首歌，陪你走過。
願你在淚水之後，能聽見一絲溫柔的笑聲，像童年唱過的——
Rasa Sayang。

這首歌的靈感，來自我們在上海的時刻。

這首歌原本誕生於 1950 年代，後來因翻唱而走進華語流行歌曲世界，成為一代人離別的戀歌。
在《Reborn》的改編里，我們選擇幾乎原封不動地保留歌詞，因為它本身已經足夠動人。
我們所做的，只是放慢節奏，賦予它一種更柔軟、更親近的氣息。

柔軟珍重的時刻，總讓人多希望可以過得好慢，好慢。
今宵多珍重，不僅是離別時的叮嚀，

也是我們對記憶的溫柔邀請 ——
在快節奏的城市裡，仍要留一點柔軟，去珍重當下。

原曲作詞：馮鳳三
原曲作曲：王福齡

《7 Days》代表著那個時代的自由、節奏與曖昧。
我們沒有試圖模仿那種英式流暢，而是想捕捉它的情緒溫度 ——
把“性感”轉化成“孤獨的溫柔”，
讓“迷人”變成“城市夜裡的安慰”。

《Tipsy》像是一場都市夢：
腳步隨著節奏晃動，思緒被燈光揉碎；
醉意、風聲、音樂和記憶混成一體，
在每個重復的 beat 里，都藏著一點想念、一點釋懷。

Craig David 在耳邊唱的是2000 年的節拍，
而我們在 2025 年，唱出的是屬於夜行者的心跳。

原曲作詞：Craig David
原曲作曲：Craig David

2025年，當思念遇見節奏
《红豆》，不只是旋律，而是時代的溫度。

王菲唱出了“克制的思念”，
方大同唱出了“靈魂的溫柔”。
而我們——想在這兩種之間，找到屬於自己的呼吸。

我們的版本，用更多對話去對話時間，
讓那份不捨，輕輕落在节奏上。

這不是重唱，而是一場致敬——
致敬那個仍相信溫柔可以永恆的年代。

原曲作詞：林夕
原曲作曲：柳重言

《普通朋友》是華語 R&B 的高峰之一，陶喆當年用最直接的歌詞唱出了最隱忍的情感。
我們在改編時並沒有想要“翻新”，
而是想 “換一雙耳朵” 來聽這首歌：
用我們的律動，讓這份遺憾多一點無可奈何的溫柔；
讓“普通朋友”聽起來像一場擁抱，而不是判決。

沒有人可以抹去原曲的鋒利，
而是希望當你再聽見這首歌時，
能在那份熟悉的痛里，感受到一點新的暖意。

原曲作詞：娃娃
原曲作曲：陶喆

有些歌，一開頭就把人帶回那個夏天。
伍佰的〈夏夜晚風〉就是這樣。
沒有華麗的修飾，只是那股風，吹過心口，吹到很久以前。

我們選擇用自己的方式，輕輕唱出這首歌。
或許是記憶里的操場，或許是海邊的夜晚，每個人心裡都有一段只屬於自己的夏夜。
希望當你聽見的時候，也能被那份風輕輕圍繞。❤️

原曲作詞：伍佰
原曲作曲：伍佰

寫《飛機》的時候，是一種慢慢升空的感覺。
飛機在夜空里划過，就像我們在人生里不斷漂浮、不斷尋找——有時是目的地，有時只是一個人。
對我來說，這首歌並不是在寫旅行，而是在寫那種“在空中”的狀態：
你坐在窗邊，看見月亮和雲，卻更清楚地看見自己。

或許，真正的飛行不是飛機帶你去哪裡，
而是當你離開地面的一瞬間，
你終於知道自己在追的是什麼

收錄於 《深夜歌單》

一首從《花樣年華》中汲取靈感的作品。

像王家衛鏡頭下的擦肩而過，這首歌描繪了兩個住在老巷子里的人，在日復一日的黃昏中彼此心動，卻始終保持距離。
他們之間隔著一面薄牆，卻像隔著兩個世界。
這不是一場愛情，而是一場靜默的溫柔。

每一段歌詞都是一幀老膠片。
獻給那些曾經喜歡卻從未說出口的人，也獻給所有在歲月中學會“成全”的你。

視頻取材自電影《花樣年華》
收錄於 《關於王家衛的那些事》
此版本收錄於《深夜歌單》

人與人之間的緣分無常，卻也因此更顯珍貴。
它不只是情感的敘述，更是一種對生命循環的理解與接受，安靜而深刻。

寫下這首歌時，我一直想起蘇軾的那句詩——“人有悲歡離合，月有陰晴圓缺”。
每個人都在時間里走走停停，我們曾經以為會永遠在身邊的人，也終究會在某個瞬間離開。
聚散其實是命運寫下的必然，痛苦的不是別離，而是我們來不及說出口的話。

如果你也正經歷離開、思念或孤單，我希望這段旋律能陪你度過那些不知所措的夜晚。
因為即使人生有缺憾，但愛過、遇見過，就是最完整的圓。

收錄於 《深夜歌單》

我一直想寫一首歌，獻給那些在人群中感到格格不入的人。
每個人的內心或多或少，都藏著一點“不被理解的角落”。
這首《怪物也想被擁抱》不是要悲情地控訴世界的不公，而是溫柔地說一句：“你並不孤單”。
我們也許不是童話里的主角，但也配擁有被擁抱的那一刻。
謝謝你聽完這首歌，願你始終記得，那些不被看見的溫柔，最值得被珍惜。

視頻取材自電影Frankenstein (1931)
原曲《怪物也想被擁抱》What if…
收錄於<深夜歌單>

那只🐙，其實是我身邊的某個人，也可能是我自己的投影。
它代表的是我們那個只想用理性壓過情緒、用分析逃避脆弱的自我。
這首歌看似搞笑，但每一段歌詞其實都來自那些我無法被理解的時刻——那些只想要一個“沒關係”的瞬間，卻被丟來一連串邏輯分析的時候。
我們都可能是那只章魚，也都渴望有個人能在深夜一句話都不說地陪著我們。

如果你也有個“哲學型室友”，歡迎你聽完這首歌，苦笑一下，再偷偷點個贊。

原曲《我養了一隻會講道理的章魚》What if…

寫下這首歌時，腦海裡浮現的是那些在感情邊緣徘徊的人，他們常常因為心軟而反復給對方機會，卻一次次陷入同樣的困境。
對我來說，這不僅是寫給感情中猶豫不決的對方，更是寫給自己的一種提醒：
真正的愛需要完整的心，而不是殘留的碎片。
如果還沒準備好放下，那就別急著牽別人的手。

收錄於 <彼時此刻>

有時候，我們急著奔向未來，卻忘了和現在的自己好好說一句話。
這首《未來的你還好嗎》，是寫給那個還在路上、也許正在迷路的“我”。
我想告訴他，不用急著成為誰，只要別忘了曾經那個願意為夢想流淚的自己。

希望你在听的那一刻，能想起某段旧时光，也能温柔地拥抱那个还在坚持的你自己。

收錄自專輯 <彼時此刻>

《習慣了你》沒有怒吼、沒有大悲大喜，
反而是一種「越想放下越小心翼翼」的疲憊。

這首歌的靈感來自一段很模糊的關係。
我們每天都會聊天，分享早餐、天氣、工作瑣事，
但我知道，他從來沒真的想靠近，
而我卻早就住進了那個小小的期待裡。

我曾經很抗拒承認那不是愛，直到有天他消失了三天，
我才發現——
不是他不見讓我難受，
是我習慣的那份被關注、被回應，忽然沒了。

寫這首歌時，我其實是在跟自己說話。
說：你不是脆弱，你只是太久沒有真正好好愛自己。

也許你也經歷過類似的關係，
如果你在《習慣了你》裡聽見了自己的心事，
我想告訴你：
那些失控的期待，不是錯，
只是時候回頭照顧那個被忽略的自己了。

收錄自專輯 <彼時此刻>
原曲《習慣了你》What if…

創作《楳圖一雄》的時候，我一直想著：
如果恐懼其實是某種深愛留下的痕跡呢？

我從小看他的漫畫，每一頁都像一扇門，一格一格翻閱時，你不是在看故事，而是被他牽進一個你本來不想面對的內在世界。這首歌就是一種走入“楳圖式精神空間”的過程，既害怕、又著迷。

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關於楳圖一雄（Kazuo Umezu）

楳圖一雄，日本恐怖漫畫的奠基者之一，以強烈的視覺風格與心理恐怖著稱。
他的作品如《漂流教室》、《貓眼少女》、《洗禮》等，不只讓人毛骨悚然，更深刻剖析人性、孤獨與異化。
他擅長用細膩的分鏡構圖與超現實設定，塑造出「看似正常卻不斷崩解」的世界，被譽為「恐怖美學的先驅」。他的影響遍及日本漫畫、電影，甚至音樂、時尚與建築。

這是一首寫給“捨不得結束”的人聽的歌，
而那種“捨不得”——本身就是一種循環。

我們也在製作過程中不斷經歷那種：
「啊，這一段好像還可以再轉一下」
「副歌回來能不能更有衝擊一點？」
直到我們自己都願意，把它留在自己的單曲循環里。

如果你聽到某句歌詞時，突然想到一個人
那就讓它繼續播下去吧。

在這個所有事物都能被“格式化”的時代，我們活在演算法之中，活在社群的鏡像里。我們的一舉一動，都可能被截圖、剪輯、轉發、重新包裝，再變成一則“迷因”供他人取樂或感嘆。

而原始的自己呢？在多少次自嘲、引用、跟風中被削弱，最後只剩下一張張反復被貼上的臉。

《迷因》是一首屬於“被看見，卻被誤解”的人的歌。
這不是一首指責網絡或科技的歌，而是一封寫給我們這一代人的自省信。
在“流量是王”的世界里，我們還能不能，用自己的語氣，說出自己想說的話？

凌晨的航班，人們閉眼沈睡，而我望著窗外的黑。

《Red Eye Blues》是一首描寫「紅眼班機」上孤獨情緒的 歌曲。
一段無人送行的旅程，一個人背著故事飛往陌生目的地。沒有告別、沒有目的，只是為了飛遠一點——逃開過去，或靠近某個還沒說出的念頭。

離開本身，並不會帶來自由，
而藍色憂鬱的夜，只會更清楚地映出心裡那道影子。

原曲《Red Eye Blues》What if…

有時候，我們在一段關係里越陷越深，不是因為愛，而是因為不甘心。
而寫下這首歌，是因為我終於明白：
真正的愛不是困住你、壓迫你，而是讓你自由。

“緊急出口”不是逃避的象徵，而是提醒自己：
當一段關係開始讓你無法呼吸，你有權轉身。

這首歌寫給每一個在人際關係中被困住卻不敢開口的人。
願你在自己的黑暗走廊里，也能找到那盞綠色微光。

這首歌，是寫給一個也許再也找不到的地方，
也寫給那個始終沒回來的人。

「彌敦道九號」
它可能真的存在過，也可能只是記憶裡某段模糊的編號。
今天你再走在那條街上，
地圖已經找不到這個地址，
但我的心還記得那盞燈下的等候。

有人說，城市最浪漫的部分，不是它留下了什麼，
而是你曾經在那裡，等過誰、想過誰、說過一句再也沒說出口的話。

所以我們寫下這首歌，唱給所有還記得那個街角的人。
也許你心裡也有一個「彌敦道九號」，
它不在了，但你從來沒有離開過。

〈替死鬼〉是一首關於清醒與自我療癒的情歌，記錄了從一段消耗性的感情中覺醒的過程。
提醒聽者不再執著、不再自責。它不是控訴，也不是報復，而是一場溫柔堅定的告別。
每一句“別再”為自己划出界線，每一句“你已經清醒”都像一道光，照亮從沈淪中掙脫出來的那一刻。

這是來自一首還沒出生的歌。

其實《先知》不是一首獨立的歌。
它的第一個詞句，原本藏在一首還未完成的作品——《門徒》里。

那時候寫《門徒》，是在思考“相信一個人，相信到像信仰一樣”的主題。
但寫著寫著，某個段落卻不自覺地朝另一個方向延伸：

“你說得太早，沒人信。”
“你看見太多，沒人懂。”

這些字眼像是不肯安分的預言，從《門徒》的懷抱里逃出，
它們不再只是追隨者的心聲，而是成為先知的自白。
於是我停下《門徒》，轉身寫下了《先知》。

你可以說，《先知》是《門徒》的異夢，是那首歌里偷偷長出翅膀的一句副歌。
一首“出走的歌詞”，最後成了另一首歌的起點。

如果未來《門徒》真的完成了，你或許會在某個句子里，聽見《先知》的倒影。

《老靈魂》描繪一位年輕卻擁有滄桑靈魂的人，如何在快速變遷的世界中，以溫柔而清醒的眼神觀察一切。
他不擅喧囂、不追潮流，反而透過舊唱片、筆記與沉思，默默守護著屬於自己節奏的生活方式。

收錄於 <老靈魂>

我們一共聊了662條信息(還在持續…）。
不是什麼重要的對話，也沒有驚天動地的情節，
有時候只是一張曬太陽的貓照，有時候是一句“今天好無聊”。
但也就是這樣簡單、重復、微不足道的日常，
在某一天回頭看時，
才發現我們用這些無聊，寫下了一段走過彼此生命的證據。

收錄於<彼時此刻>

這首歌以周星馳主演的經典電影《回魂夜》（1995）為靈感，講述一個人在瘋狂世界中尋找清醒的過程。

電影《回魂夜》由劉鎮偉執導，周星馳飾演神秘瘋癲的“驅魔人”Leon。他在一棟凶宅中對抗“鬼魂”與現實的恐懼，但最終揭示的，不是靈異本身，而是人心的幽暗與社會的荒謬。
本曲延續電影的主題——鬼不可怕，人心才是真正的深淵，用音樂譜寫一段對城市冷漠、精神崩潰與荒誕生活的回響。

本作品也特別緻敬周星馳對“無釐頭”風格的深層開拓——他用喜劇說真話，用瘋癲說人性。
正如電影中Leon一句句看似瘋話，卻比誰都更清醒。

凌晨三點，Gate 9 的登機口。
她輕聲問我去哪，然後坐下，用她的故事慢慢溫暖我的夜。

我們聊著旅行、命運、城市的燈光，還有彼此沒說出口的孤單。她笑著說：“下次見。”
我點頭，卻不知道——這是一場只屬於機場的夢。

《Gate 9 的她》講述一次短暫而致命的邂逅。機場成了情感騙局的舞台，主角像許多旅人一樣，被溫柔包圍，也被虛構打動。登機之後，留下的只有一張空座位與未讀的訊息。

這不是一首情歌，這是一首警告，一封寫給旅人內心的情緒記錄。

收集在 <Now Boarding>

《過程》是一首寫給每個「正在努力生活的人」的溫柔回信。

這不是一首追求高峰的歌，而是一段學著與自己和解的聲音紀錄。
我們想描繪人生旅途中的高低跌宕——錯付的善意、不完美的愛、慢慢來的花期，都是生命給予的禮物。

這首歌，提醒我們別再為每一段迷失感到羞愧。因為每一場風雨，終究都會變成一段獨屬於你的腳印。

收錄在 <彼時此刻>

《10%》的靈感來自場真實的留言討論。

幻與真之間，不是對立，而是共生。
音樂從來就不只有一種格式。

這首歌，寫給每一個願意停下來多看一眼、多聽一句的人。❤️

《留下的旋律》是一首獻給Nujabes的音樂詩。它穿越深夜的地鐵、清晨的書店、飄著咖啡香的街角，用流動的節奏與柔和的旋律，訴說著一位音樂靈魂留下的永恆共鳴。從爵士採樣到Lofi節拍，每一個細節都像記憶裡的唱盤，不疾不徐地轉動著，溫柔地撫慰著孤單與思念。

這不只是懷念一位製作人，更是在時光裡尋找共鳴的旅程——在無聲的夜晚，在夢的角落，我們依然聽見他留下的節拍，與我們的故事重疊共振。

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Nujabes（本名：瀬場潤，Sebajun）是日本傳奇音樂製作人與DJ，被譽為 Lo-fi Hip-Hop 與 Jazzy Hip-Hop 的先驅。他的藝名是將本名「瀬場潤」倒過來拼成的「Nujabes」。

生於1974年，Nujabes將爵士樂的溫柔、嘻哈的節奏與日式美學融合，創造出一種獨特的寧靜氛圍。他的作品常以平靜的鋼琴段落、乾淨的鼓聲、精緻的取樣為主軸，展現出對細節的極致追求，令人徬彿置身於城市的夜晚、記憶的深處。

他最為人熟知的作品之一，是為動畫《混沌武士 Samurai Champloo》創作的原聲帶，將傳統武士文化與現代節奏完美融合。

代表作包括：
• 《Luv(sic)》系列（與Shing02合作）
• 《Modal Soul》
• 《Metaphorical Music》

儘管他在2010年因車禍不幸離世，年僅36歲，但他的音樂至今仍深深影響全球無數創作者，他被稱為「Lo-fi界的傳奇詩人」、「城市孤獨者的知音」。

Nujabes教會了人們：音樂不需要大聲喧嘩，也能治癒靈魂。

原曲發行自專輯 <老靈魂>

你有沒有坐在咖啡店三個小時，只寫出「啦啦啦」三個字？
有沒有對著空白文件發呆，想出第一句就覺得自己快要封神？
然後……第二句再也寫不出來？

這首歌就是寫給每一個在創作路上懷疑人生的人——包括我自己。

副歌唱著：「寫了一整天，只寫出我在發呆」，聽起來像開玩笑，但其實是我從靈魂深處拿出來的血汗真言。歌詞里每一句誇張的比喻、每一個崩潰的小情節，其實都是真實發生過的：
• 比如把貓寫進副歌是我寫歌寫到放棄思考時的真實操作；
• 比如那句「靈感像襪子還沒乾」是我看著陽台發呆想出來的（襪子確實還沒乾）；
• 比如我真的為了找押韻，把詞典翻了三次，還順便懷疑了一下人生的意義。

但也許，創作就是這樣。
寫歌很難，寫“不會寫歌”的歌，好像就不那麼難了。

所以如果你現在剛好在低谷、寫不出任何東西，那恭喜你：
你正走在正確的創作道路上。
這首歌獻給你，也獻給每一個「靈感跑路但還不想放棄」的創作者。

《狼來了》以耳熟能詳的童話寓言為靈感，轉化為一段感情的控訴與醒悟。

這首歌不只是講述被欺騙的憤怒，更是一種告別的儀式。它唱出那些曾無條件相信、卻被一次次辜負的人的心聲——當信任崩塌，連一句“我痛”也不再值得

這首《洗衣店的午後陽光》由原本Neo-Soul風格的溫柔旋律重新編織進節奏更鮮明、律動更強烈的UK Garage框架。

快節奏的鼓組、碎拍感強烈的節奏線，與歌詞中“旋轉”、“放慢”、“發呆”的畫面形成對比，
營造出一種靜中有動，忙中取暖的感受——
就像城市生活再匆忙，總要留一段時光在陽光與泡泡之間，把心思慢慢烘乾。

原曲發行自專輯 <City 24>

一首在某個失眠的深夜裡悄悄誕生的歌。那天凌晨兩點，我無法入睡，腦中卻不斷浮現那些白天不敢面對的句子。於是我坐在鋼琴前，任由那些沈默的情緒像水一樣流過指尖，也流進旋律。

他不屬於白天。他只屬於夜深人靜時，那些你突然變得敏感、變得脆弱、也變得誠實的時刻。
他像一個影子，一個你不常見但一直住在你心底的分身——
在你最孤獨、最不想說話的時候，為你提筆寫下真實。

這首歌不是用來被聽見的，它是用來被理解的。
若你也曾在夜裡感到心事翻湧，若你也曾在失眠時，被靈感和情緒溫柔地喚醒——
那這首歌，是我們共同的夜晚。

這是一首溫柔而坦率的獨處之歌，靈感來自芬蘭語中一個充滿詩意的詞：“Kalsarikännit”，意指“穿著內衣在家獨自喝酒”。歌詞描繪出一種介於墮落與療癒之間的狀態：
一個人在下雨的夜晚，關掉手機通知，
不為取悅誰，只為和自己好好待在一起。

整首歌圍繞“獨酌”這一儀式，展開對自我照顧、釋放情緒與自在生活的深刻思考。它既不是醉酒狂歡的慶典，也不是情緒崩塌的痛哭，而是一種理性中的感性、放空中的清醒。

我們想營造出彷彿“夜晚披著毛毯的耳朵”，既安靜又有溫度。🍷

《機場咖啡的溫度》 描繪了一場無聲告別的情感溫度——沒有爭吵、沒有眼淚，但每一個動作與沈默都藏著說不出口的情緒。慢搖擺的節奏彷彿時間被拉長，讓回憶在機場的每一個角落慢慢發酵。

發行自專輯 <Now Boarding>

《二十四小時的風》圍繞一個假想命題：
“如果你能和二十年前的自己相處24小時，你最想對他說什麼？”

這是一次時間的對話，也是一種心靈的修復旅程——我們嘗試向小時候的自己傳遞寬容、鼓勵與理解，卻也不忍打擾他心中的純粹夢想。

你會聽到黃昏時分的街角、寫給未來的信、深夜哭過的被窩，也會聽見成長中那些“沒說出口的溫柔”。
這首歌寫給每一個走過彎路、仍願意善待自己的你。

在日子特別沈重、特別冷的時刻，我們總需要一個聲音，把我們從陰影里帶出來。
《火焰的琴聲》就是在這樣的心情里誕生的——它不是寫給英雄的頌歌，也不是浪漫的想象，而是一封寫給Michel Petrucciani的音樂情書。

Michel Petrucciani，一位身高不足一米、骨頭脆如玻璃的法國爵士鋼琴家，卻用他一雙小小的手，把世界舞台當作自己的樂譜。他生來患有成骨不全症（俗稱“玻璃娃娃病”），一生經歷無數次骨折，卻從不將此作為藉口。他靠著驚人的意志力與音樂天賦，走遍世界，演出超過千場——他不只是活著，而是像火焰一樣在時間里燃燒。

這首歌以他短暫卻熾烈的一生為線索，從童年初聽 Bill Evans 的琴聲開始，到成年後“瘋狂”演出，再到他在病床上的最後一天——每一個段落，都像一段即興solo，用音樂回應命運的重量，也為後來的人點起一盞盞燈。

凌晨的街道、昏黃的霓虹、失焦的擁抱，一切都模糊卻溫柔。
這首歌寫給所有在深夜仍醒著的人——那些在人海中彼此路過，卻在旋律里相遇的靈魂。

我們一直想寫一首屬於夜晚的歌。不是深夜派對那種熱鬧，而是那種你一個人聽著舊歌、在熟悉街區里走過曾經的回憶、卻不確定自己在等什麼的狀態。

發行自專輯 <City 24>

這一首《一年之後》，是寫給所有曾在我們生命中出現、卻無法再聯繫的人。
有些人離開時我們哭得撕心裂肺，但時間會慢慢教會我們，把那些痛藏進心裡，學著生活、學著繼續。

歌曲只使用鋼琴與小提琴交織而成，從第一個音符到最後的停頓，都在刻劃一個人如何走過“失去”的過程——
從淚水到沈默，從惦念到放下，再到年復一年的掃墓與念想。

我們總以為自己忘不了，其實不過是習慣了在心裡留個位置。
如果你也正經歷告別、錯過、懷念，希望這首歌能溫柔地陪你坐一會兒，不說話，也能懂。

在這首《午後觀察日記》中，我們以一個靜靜坐在窗邊的視角，捕捉了午後陽光下城市的細微變化。
每個行人的步伐、每杯咖啡的香氣、每段背景音樂的旋律，都是日常里被忽略的詩句。這首歌呈現一種懶洋洋卻深情的午後氛圍。讓我們一起在這個節奏慢了半拍的時空里，好好觀察生活的樣子。

發行自專輯 <City 24>

一首寫給爸媽的歌，也寫給那些曾誤解、曾爭吵、最終卻彼此學會珍惜的我們。

當我們長大成人，才懂得——原來父母從來不是“天生的父母”。
他們只是第一次當爸媽，用盡全力，用一生在愛我們。

這首歌是送給全天下每一位曾笨拙卻努力愛的父母，也送給逐漸明白愛的我們。

在城市蘇醒前，我已經被這股剛出爐的麵包香俘虜。

節奏律動中藏著麵包的溫度、陽光的味道，還有你沒說完的早安。
歡迎你邊聽邊發呆，在每一個城市角落，找到屬於自己的柔軟清晨。

記錄在 <City 24>

這首歌不只是寫給自閉症者，更是寫給所有感受到與世界格格不入的人。
願這首歌，能成為你在夜晚靜靜聽的那道光。

一首不按常理出牌的樂團自我介紹。

《404》不只是一個名字，更是一種態度。
我們是肆零肆，一支由四個風格各異成員組成的樂團：
這首歌就像我們：打破框架、不講規矩。

別再搜我們是誰，答案藏在旋律里。
記住這個名字：404。